MASSIMO ZANETTI

L’URGENZA DEL COLORE NELL’OFFICINA DELL’ANIMA

a cura di Raffaella Rita Ferrari

Non è semplice leggere ed apprezzare l’arte informale: per molti richiede una spiegazione, un ‘perché’ espresso a parole. Siamo stati educati alla rigidità della forma, al contenimento, a dare un volto umano persino all’energia divina. Il mistero della fede, nella tradizione cattolica, si concretizza in immagini tangibili: un patrimonio visivo che intride ogni angolo d’Italia. Il Novecento, tuttavia, ha spalancato le porte all’istinto e alla sperimentazione. Le avanguardie hanno progressivamente messo in discussione la rappresentazione tradizionale e, nel secondo dopoguerra, questa trasformazione diventa particolarmente evidente con l’Informale, l’Action Painting e l’Espressionismo astratto. D’altronde, come si può tentare di dare forma al sentimento puro se non attraverso l’energia del colore e del gesto? Un abbraccio o un sorriso descrivono l’azione dell’amare o del gioire, ma non la natura stessa di quell’emozione: fuggente, effimera, interiore. Prima ancora di affrontare il colore, l’artista si trova a misurarsi con la sfida più grande: il vuoto della tela bianca. Un corpo a corpo silenzioso tra la superficie immacolata e la spinta a creare, dove ogni gesto non progettato comporta il rischio di fallire. È qui che entrano in gioco l’immediatezza, l’istinto e l’intuizione; ma è solo attraverso l’esperienza del fare – la padronanza della tecnica – che quell’impeto trova un equilibrio materico compiuto. È in questo territorio espressivo che la ricerca di Massimo Zanetti si configura come una testimonianza appassionata dell’incontro tra esperienza esistenziale e urgenza espressiva. Il suo ultimo ciclo, L’Officina del Gesto, rappresenta il culmine di un percorso in cui il corpo stesso – con il suo dinamismo – si fa strumento linguistico, restituendo un segno vivo e immediato. Il titolo è programmatico. L’atelier di Zanetti cessa di essere luogo di pura contemplazione estetica per farsi laboratorio, officina, per l’appunto, un ambiente in cui si lavora la materia grezza e dove le mani si sporcano stendendo direttamente il colore, saggiandone così densità e vibrazioni. L’artista si accosta alla tela con l’umiltà e la determinazione di un meccanico che smonta, ripara e riassembla componenti. I suoi pezzi, tuttavia, sono frammenti di un vissuto complesso – a tratti sofferto, a tratti fiducioso – che chiedono di essere ricomposti per essere fissati nella memoria e per farne abbecedario d’esperienza. Forte di un solido percorso figurativo, Zanetti ha scelto infine di dissolvere i contorni, permettendo al colore di guidare il gesto in un flusso incontenibile, capace di catturare l’emozione nella sua forma più autentica. La materia si stratifica così grazie all’uso congiunto di oli, acrilici, inchiostri, pastelli, carboncino e malta fine colorata, setacciata e direzionata sulla tela ancora fresca della stesura. Nasce un’unione alchemica tra i vari medium a diversa essiccazione, in cui si prevede non solo l’orientamento di deposito sulla tela, ma anche la loro naturale opposizione: poli uguali che si distanziano e diversi che si attraggono. Ma l’atto creativo non è solo addizione. Spesso Zanetti interviene sottraendo come uno scultore e ‘lavando’ il quadro sotto l’acqua corrente, cancellando le prime stesure per lasciare solo tracce, fantasmi cromatici su cui ricostruire a ciclo continuo la forma primigenia del suo pensiero. È un processo di distruzione e rinascita, un rituale che rispecchia la resilienza dell’artista di fronte alle avversità della vita.

E l’opera si fa tattile attraverso la granulosità della malta, per farsi poi trasparente sotto il lavaggio dell’acqua. Giochi di luce che si schiudono in prospettive che attraversano l’infinito e vanno oltre la percezione della distanza. Si oltrepassano così i punti di fuga raggiungendo un perfetto equilibrio nell’armonia assoluta. L’esperienza della vita si concretizza così sulla tela: la superficie assorbe un vissuto, ma anche quel processo di elaborazione intimistica che richiede una sorta di meditazione, al di fuori delle relazioni con gli altri. È il raggiungimento dell’apice d’unione con il sé interiore, che ognuno trova mettendo in atto l’espressione del proprio talento. E attraverso l’arte si nuota controcorrente, contro i pensieri negativi: diviene la terapia salvifica migliore, che accoglie, culla e protegge. Un luogo sicuro in cui tornare sempre per essere immancabilmente se stessi, senza giudizio; un territorio neutro dove finalmente cadono tutte le maschere. Per Zanetti, davanti alla tela il confine tra scienza e arte è chiaro: la pittura nasce da un gesto irrazionale. Non gli importa che l’oggetto sia riconoscibile; gli importa che la trama di ciò che si vede diventi un ponte tra vita e arte, due mondi distinti ma in comunicazione. Se questo legame manca, il risultato è o pura istintività o pura razionalità. La ricerca del colore è un lavoro sottile che l’artista si pone ogni volta: è ciò che rende lo spazio pittorico non solo una costruzione, ma uno schermo sensibile, una struttura del divenire che prova a suscitare domande. Egli sta dentro le cose che vede e le trasfigura sulla tela, sapendo che senza di esse non ci sarebbe l’immagine finale. Il suo obiettivo è fare in modo che l’occhio, esplorando, provi emozioni. È qui che si esprime il cuore della sua pittura: un’istanza di libertà. Dalla lettura complessiva delle opere dell’Officina del Gesto si conferma la cifra stilistica inconfondibile di Massimo Zanetti: un’architettura visiva fondata sulla dialettica costante tra la struttura del segno e la potenza del colore. Il suo gesto, riconoscibile e viscerale, spazia da composizioni di forte verticalità — dove pennellate di rosso vivo e nero si interpongono con superfici bianche graffiate — a campiture diafane attraversate da colate cromatiche, simili a ferite aperte o a pianti liberatori. È una pittura di grande tensione drammatica, in cui toni caldi di ocra, marrone e rosso sangue s’aggrovigliano in paesaggi interiori che, seppur feriti, sono ancora pulsanti di vita, vita intrappolata dai bagliori improvvisi che escono dal buio. Infine, che si esprima nell’impeto di rossi e neri o nell’inserimento della nuova palette di blu e verdi acqua, il linguaggio di Zanetti rimane coerente e inconfondibile: un’alchimia di materia e gesto capaci di trasformare la tela nell’impronta fisica di uno stato d’animo, arte che nasce dalla necessità di dare una forma all’irrazionale. Nasce così la condivisione autentica con tutti noi; ci tende la sfida a guardare avanti e a trovare, attraverso la forza liberatrice del colore, la meraviglia che resta sempre nella Vita.